T.A.Aのカラフルブログカラー

気品と静寂を宿す色『ウェッジウッドブルー』

2026/10/15

英国王室が愛した奇跡の陶器肌

ウェッジウッドブルー（Wedgwood Blue）

1万回以上の実験から生まれた「ジャスパーウェア」

この色の原点は、1759年創業のイギリス屈指の陶磁器メーカー「ウェッジウッド」の創業者、ジョサイア・ウェッジウッドが開発した革新的な炻器（せっき）「ジャスパーウェア（Jasperware）」にあります。

18世紀後半、古代ローマのポンペイ遺跡発掘などを機に、ヨーロッパ全土で「新古典主義」という古代ギリシャ・ローマブームが巻き起こっていました。

ジョサイアは、古代のカメオ（浮き彫り細工）のようなマットで美しい陶器を自分自身の手で作り出そうと決意します。

素地そのものに酸化コバルトなどの鉱物を練り込み、繊細な色合いを出す･･･。

言葉にすれば単純ですが、当時の技術では配合や焼成温度のコントロールが途方もなく困難でした。

ジョサイアは試行錯誤を重ね、なんと1万回を超える実験記録を残した末、1774年、ついに理想の陶器を完成させます。

鉱物の碧玉（ジャスパー）のように硬く滑らかな肌を持つこの器の中で、最も人々に愛されたのが、独特の淡くグレイッシュなペールブルーでした。

この淡青色の素地に白いレリーフ（浮き彫り）を施した優美な器はブランドの代名詞となり、やがてその色自体が「ウェッジウッドブルー」と呼ばれるようになったのです。

英国王室と貴族たちを虜にした「白と青」の革命

ウェッジウッドブルーの登場は、それまでの「陶器＝ツルツルした釉薬の白磁」という常識を根底から覆しました。

釉薬をかけない素焼きのようなしっとりとしたマットな質感肌に、ギリシャ神話をモチーフにした純白のレリーフが浮かび上がる姿は、まるで彫刻を持ち歩くような贅沢さでした。

シャーロット王妃をはじめとする英国王室や貴族たちは、その上品な佇まいに熱狂。

貴族の邸宅のサロンの壁、暖炉の装飾タイル、さらにはペンダントやブローチといった宝飾品にまでウェッジウッドブルーが取り入れられました。

「知的で、控えめで、洗練されている」・・・まさに大英帝国の黄金期における理想の美意識を象徴する色となったのです。

清潔感とノーブルな品格を身にまとう組み合わせ

ウェッジウッドブルーは、彩度を抑えたやわらかなスモーキーブルーのため、肌浮きせず、大人の装いに知的な透明感を与えてくれます。

🔷王道のカメオスタイルを再現するなら「白」との組み合わせが一番

最も美しいのは、陶器の意匠そのままに「オフホワイト」や「アイボリー」と合わせるコーディネートです。

例えば、ウェッジウッドブルーのブラウスに白のワイドパンツ、あるいは淡いブルーのニットにパールのアクセサリーを合わせると、清潔感と清楚な華やかさが際立ちます。

🔷ネイビーやグレーと重ねる「洗練のワントーン

ビジネスやきちんとした場では、濃紺（ネイビー）のジャケットのインナーにこの色を差すのがおすすめ。

同系色のグラデーションが生まれ、知的で落ち着いた印象を与えます。

グレーのスラックスやトレンチコートとも相性抜群です。

🔷ブラウンやキャメルで「クラシックなこなれ感

少しカジュアルダウンさせたいときは、キャメルやモカブラウンなどの暖かみのある茶系レザー（バッグやシューズ）と合わせるのがおすすめ。

英国カントリー調のヴィンテージライクな洒落感が引き立ちます。

職人が1万回もの実験の末に掴み取った、奇跡の青。

ウェッジウッドブルーが持つ静けさと品格は、単なるトレンドを超えて、250年以上の時を経た今も私たちの心を惹きつけてやみません。

派手な色で主張するのではなく、澄んだ静けさで周りを魅了する･･･。

背筋をすっと伸ばして凛とした一日を過ごしたいとき、この英国生まれのクラシックな青を、日々のワードローブやライフスタイルに取り入れてみてはいかがでしょう？

カラースクールT.A.A

藤田たかえでした

『パンプキンオレンジ』とハロウィンの秘密

2026/10/07

秋の夜長を照らす陽気な灯火

パンプキンオレンジ（Pumpkin Orange）

街を歩けば、どこかユーモラスな笑顔を浮かべたカボチャのランタンが目を楽しませてくれる季節ですね。

今回の「世界の色シリーズ」でお届けするのは、ハロウィンの象徴であり、収穫の喜びを伝える色、『パンプキンオレンジ（Pumpkin Orange）』です。

名前の由来とハロウィンの始まり

パンプキンオレンジは、その名の通り熟したカボチャの外皮を思わせる、黄みをしっかりと含んだ鮮やかで温かみのある橙色です。

ハロウィンの起源は、古代ケルト民族の新年を祝う秋の収穫祭「サウィン（Samhain）」。

ケルトの暦で10月31日は一年の終わりであり、死者の霊が家族を訪ねてくる日と信じられていました。

その際、悪霊や魔女を追い払う魔除けとして飾られたのが、野菜をくり抜いて火を灯した「ジャック・オー・ランタン（提灯ジャック）」です。

実は、アイルランドやスコットランドで始まった当初、くり抜かれていたのはカボチャではなく「カブ」でした。

白くてゴツゴツとしたカブのランタンは、現在のポップな印象とは異なり、まるで本物の頭蓋骨のような不気味さを持っていたといいます。

19世紀にアイルランドからアメリカへと移民が渡った際、大型のオレンジ色のカボチャが代用されるようになりました。

というのは、このかぼちゃ、アメリカ大陸で豊富に収穫できるのに加え、柔らかくて加工しやすい特徴を持っていたからです。

暗闇をパッと明るく照らすオレンジ色のランタンはたちまち定着し、現代私たちが親しむ陽気なハロウィンのトレードマークとなったということです。

ランタン用と食用は別物？

ハロウィンで見かける鮮やかなオレンジ色のカボチャ。

あの丸々とした大きな実を見て「美味しそう」と思ったことはありませんか？

ところが、このかぼちゃ、私たちが普段スーパーで見かけるものとは種類が大きく異なります。

◆ペポカボチャ（飾り用）

　　ハロウィンのランタンに使われるのは、主に「コネチカット・フィールド」などに代表されるペポカボチャの一種です。

　　皮が薄くてくり抜きやすく、見事なパンプキンオレンジに色づきますが、水分が多く繊維質で、味は淡白。

　　煮物や天ぷらにしてもあまり美味しくありません

　　（種はローストしてスナックとして親しまれています）

◆セイヨウカボチャ（食用・日本で主流）

　　日本の食卓でおなじみの濃い緑色の皮をしたカボチャは、19世紀末に日本へ導入された西洋カボチャ（栗カボチャなど）です。

　　甘みが強くホクホクとした食感が特徴で、実は果肉の部分にぎゅっと詰まった濃いオレンジ色こそが、β-カロテンの宝庫です。

スイーツから主食、スープまで

世界を見渡すと、カボチャの生産量・消費量で圧倒的なトップを誇るのは中国とインドです。

世界の生産量の半分近くをこの2国が占めており、スパイスを効かせたカレーや炒め物、煮込み料理として日常的に親しまれています。

一方、欧米でのカボチャは季節の風物詩としての存在感が際立ちます。

アメリカやカナダでは、秋から感謝祭にかけて「パンプキンパイ」が欠かせません。

裏ごししたカボチャのピューレにシナモン、ナツメグ、クローブなどのスパイスをたっぷり効かせた味わいは、まさに秋の訪れを告げるソウルフードです。

また、近年日本でも大人気の「パンプキンスパイスラテ」のように、ドリンクやスイーツのフレーバーとしても世界的なブームを巻き起こしています。

イタリアではリゾットの具材や、パスタ（ラビオリ）の詰め物としてチーズと合わせるなど、地域ごとの食文化に根ざした多彩な表情を持っています。

パンプキン・オレンジを楽しむ

古代の魔除けの灯火から、実りの秋を祝うテーブルのごちそうへ。

パンプキンオレンジは、長くて暗い冬を迎える直前、人々が寄り添い合い、笑顔と温もりを分かち合うために欠かせない「命の光」のような色です。

ハロウィンの夜は、かぼちゃの料理やスイーツを楽しんだり、部屋に小さなオレンジの小物を飾ったりして、この陽気な秋のエネルギーを生活に取り入れてみるのも楽しいですね。

この色は、冷たい夜風の中でも、心がぽっと温まるような楽しいひとときを運んでくれるはずです。

カラースクールT.A.A

藤田たかえでした

義賊ロビン・フッドが愛した『リンカーングリーン』の伝説

2026/10/01

深い森に溶け込む反逆の色

リンカーングリーン（Lincoln green）

織物の名産地、古都リンカーンが生んだ高級布

物語の舞台は、12〜14世紀の中世イングランド東部に位置する都市「リンカーン」。

当時、この街はヨーロッパ全土にその名を轟かせる、最高品質の羊毛織物（毛織物）の生産拠点でした。

リンカーンの職人たちが織り上げる布は、風合いが良く丈夫で、王侯貴族や富裕層の間でステータスシンボルとして取引されていました。

燃えるような赤の「リンカーン・スカーレット」と並び、この街の代名詞となったのが、深く静かな緑色に染め上げられた毛織物‥‥‥これが「リンカーングリーン」でした。

中世のハイテク技術：緑を生み出す「奇跡の二重染め」

現代の私たちは、絵具を混ぜたり化学染料を使ったりして簡単に緑色を作ることができます。

しかし、中世ヨーロッパの染色職人にとって「鮮やかで色褪せない緑」を作り出すことは、途方もなく困難な挑戦でした。

なぜなら、自然界の草木の葉から直接色素を取り出しても、布に定着しにくく、日光や洗濯ですぐに薄汚れた茶色へと褪せてしまう性質があるからです。

緑茶を入れても、放置しておくと茶色になってしまいますよね。あの原理です。

そこでリンカーンの染工たちが編み出したのが、手間とコストを惜しまない「二重染め（オーバードライング）」という高度な職人技でした。

✅ まず青に染める（ウォード）

　ヨーロッパ原産の藍植物「ウォード（大青）」の染液に羊毛を浸し、まずはしっかりとした深い青色のベースを作ります。

✅ 上から黄色を重ねる（ウェルド）

青く染まった布を、鮮烈な黄色色素を持つハーブ「ウェルド（モクセイソウ）」の染液に再び浸します。

青と黄色という、当時のヨーロッパで最も色落ちしにくいとされていた2つの天然染料を重ね合わせることで、驚くほど深みがあり、雨風や太陽の光にも負けない奇跡の緑が完成しました。

職人技の結晶であるリンカーングリーンは、非常に贅沢で高価な布だったのです。

ロビン・フッドの登場･･･高級品が「自由の戦闘服」へ

この高価で美しい緑色の布が、まったく異なる意味を持つようになったきっかけ。

それこそが、シャーウッドの森を根城にした伝説の義賊、ロビン・フッドの物語です。

12世紀末、重税と厳しい法で庶民を苦しめる悪徳代官や強欲な聖職者たちに対し、弓矢一本で立ち向かったロビン・フッド。

彼は「強きを挫き、富める者から奪って貧しき者に分け与える」という義侠心で、民衆の絶大な支持を集めたアウトローでした。

当時のイングランドには、王の許可なく森の鹿を狩った者を死刑や手足切断に処すという過酷な「森林法」が存在していました。

森は民衆にとって恐怖の場所であり、王権の私有地だったのです。

しかしロビンと彼の仲間たち（Merry Men＝ゆかいな仲間たち）は、あえて森の奥深くに潜み、不条理な権力に抗い続けました。

そして、彼らが身にまとっていた「制服」こそが、リンカーングリーンの服でした。

元祖・迷彩服　自然と同化する機能美

なぜ、森の盗賊たちが上質なリンカーングリーンを着ていたのでしょうか？

そこには極めて合理的で実用的な理由がありました。

リンカーングリーンは、もともと森を熟知する狩人や森林官たちが愛用していた色でした。

樫の木やシダ、苔が生い茂る森の風景に完璧に同化するその色は、獲物や敵から姿を隠すための「人類最初期の迷彩服（カモフラージュ）」だったのです。

鬱蒼としたシャーウッドの森の木陰に溶け込み、追っ手の目を欺き、音もなく忍び寄って百発百中の矢を放つ‥‥‥。

本来は都市の富裕層向けに作られた高級織物が、ロビン・フッドたちの手によって「過酷な自然を味方につけ、権力と戦うためのサバイバルウェア」へと昇華したのでした。

こうしてリンカーングリーンは、ただの美しい布から、「野生」「冒険」「不屈の反骨精神」、そして「何ものにも縛られない自由」を象徴する伝説の色となったのです。

近代のミリタリーファッションで見られるオリーブドラブやカーキといった「迷彩（カモフラージュ）」の原点は、すでに数百年前の中世の森にありました。

職人たちが試行錯誤の末に生み出した、青と黄が重なり合う深い森の色。

そして、その色をまとって権力に立ち向かい、風のように森を駆けた義賊たちのロマン。

リンカーングリーンは、シャーウッドの森の木漏れ日と、そこに生きた誇り高き狩人たちの、自由で力強い色なのです。

カラースクールT.A.A

藤田たかえ

大地を焼いた深みのある色『バーントオレンジ』

2026/09/22

大地を焼いた深みのある色『バーントオレンジ』

Burnt Orange

バーントオレンジとは

バーントオレンジとは、直訳すると「焦げたオレンジ」「焼けたオレンジ」。

鮮やかなオレンジ色に、少し赤や茶色、黒を混ぜ合わせたような、深く温かみのあるアースカラーです。

名前の由来は、伝統的な絵具顔料の「バーント・シェンナ（焼成した天然土顔料）」と同様、火で加熱・焼成して色を深める製法やその質感を思い起こさせることから名付けられました。

色の名前として英語圏の文献に初めて登場したのは、1915年頃とされています。

鮮やかなビタミンカラーとは違い、日干しレンガや素焼きのテラコッタ、あるいは深まる秋の落ち葉を思わせるこの色は、見る人にぬくもりと安心感、そして成熟した大人のエネルギーを与えてくれます。

＜第1の波＞1970年代

反体制と自然回帰のシンボル

ファッションの世界において、この色が最初に大きな波を起こしたのは1970年代のことです。

1960年代は宇宙開発ブーム（スペースエイジ）や、人工的なネオンカラーがもてはやされた時代でした。

その反動として、70年代の若者たちは「バック・トゥ・ネイチャー（自然回帰）」を掲げます。

ベトナム戦争への反戦運動やヒッピームーブメントと結びつき、大量生産・大量消費の人工的な社会へのアンチテーゼとして若者たちが選んだのが、大地の色＝バーントオレンジでした。

太畝（ふとうね）のコーデュロイパンツ、スエードのフリンジジャケット、ざっくりとしたクロシェ（かぎ針編み）ニット……。

手仕事の温もりを感じさせるこれらのアイテムとともに、バーントオレンジは「権力に媚びない自由な若者の制服」として、ストリートファッションの主役に躍り出たのでした。

＜第2の波＞1996年

PRADAが仕掛けた「悪趣味の美学」

時代は流れ、1990年代。

当時のモード界は、黒や白、グレーを中心としたストイックな「ミニマリズム」の全盛期でした。

この頃、70年代に大流行したバーントオレンジや濁ったアボカドグリーンは、「古くさい実家の壁紙や家電の色」という野暮ったいレッテルを貼られ、「最もハイファッションから遠いダサい色」と見なされていました。

そこへ真っ向から喧嘩を売ったのが、デザイナーのミウッチャ・プラダです。

1996年のPRADA春夏コレクションにおいて、彼女はあえてその「ダサい色」であるバーントオレンジやレトロな幾何学模様を多用し、ランウェイに送り出しました。

従来の「美しい＝エレガント（上品）」という固定観念を打ち砕いたこのコレクションは、「アグリー・シック（Ugly Chic＝悪趣味の洗練）」と呼ばれ、ファッション界に激震を与えます。

誰もが着たくないと思っていた野暮ったい色が、最高に知的なモードへと鮮やかに裏返った瞬間でした。

＜第3の波＞そして現代

「新しいベーシック」としての復権

そして2010年代後半から現在に至るまで、バーントオレンジ（テラコッタやラストとも呼ばれます）は、第3の革命とも言える大きな復権を果たしています。

近年注目されている「クワイエット・ラグジュアリー（控えめな贅沢）」のトレンドの中で、この色は黒やベージュに代わる「新しいニュートラルカラー（新定番色）」としての地位を確立しています。

上質なレザーバッグやカシミヤのコートなど、高級感のある素材と合わさることで、黒にはない血色感と、ベージュ以上のドラマチックな存在感を放ちます。

また、性別を問わないジェンダーレスな魅力や、土や草木を連想させる自然への敬意（サステナビリティ）を表現する色としても、現代の価値観に深くフィットしているのです。

ヒッピーの反逆色から始まり、モード界の常識を覆すアグリー・シックを経て、洗練された大人の新定番へ。

時代ごとに全く違う表情を見せながら、私たちの美意識をアップデートし続けてききたバーントオレンジの物語、いかがだったでしょうか？

この秋‥‥‥。

バーントオレンジを取り入れて、さらにオシャレを楽しみたいフジタです。

カラースクールT.A.A

藤田たかえでした

特権階級から「紫」を解放した色『モーヴ』

2026/09/18

特権階級から「紫」を解放した色

モーヴ（Mauve）

18歳の少年の大失敗から生まれた奇跡

物語の始まりは1856年のロンドン。

主人公は、屋根裏部屋に手作りの実験室を作って研究に没頭していた18歳の化学学生、ウィリアム・パーキンです。

当時、彼が挑んでいたのはマラリアの特効薬「キニーネ」の人工合成という野心的なテーマでした。

パーキンは、ガス灯の普及で大量の産業廃棄物として持て余されていた「コールタール」の成分を使って実験を行います。

しかし透明な薬ができるはずが、フラスコの底に残ったのはドロリとした真っ黒なタールのヘドロばかり。

実験は完全な失敗でした。

普通なら落胆してフラスコを洗って捨てる場面です。

しかしパーキンが汚れを落とそうとアルコールを注ぎ込んだ瞬間、黒い塊が溶け出し、息をのむほど鮮やかで美しい紫色の液体が現れたのです。

試しに絹の布を浸してみると見事に染まり、洗っても日に当てても色褪せません。

彼はすぐさまこれが、天然染料の弱点（退色しやすい・高価）を覆す「画期的な新物質」だと悟りました。

パーキンは大学を中退して特許を取り、世界初の合成染料工場を立ち上げます。

ゴミから美しい色が生まれた、まさに錬金術の瞬間の誕生でした。

王室を魅了し、世界を席巻した「モーヴ熱」

パーキンが作り出したこの新しい紫は、たちまちファッション業界に大旋風を巻き起こします。

火付け役となったのは、当時のヨーロッパモードの最高峰にいたフランスのウジェニー皇后でした。

彼女が「私の瞳の色を一番引き立ててくれる」とこの淡い紫のドレスを愛用したことで、パリの社交界はこぞってこの色を取り入れます。

この時、パリのファッション界が、この色の名前を当時、とても身近だったゼニアオイの花にちなんで「モーヴ」と呼んだことが、色名の定着につながりました。

イギリスでも、ヴィクトリア女王が長女の結婚式やロンドン万国博覧会でモーヴのドレスを着用したことで人気は決定的なものとなります。

さらに女王が夫を亡くした後の「半喪期（喪服の緩和期間）」に紫系の着用が許されたことも追い風となりました。

1850年代後半からのこの熱狂ぶりは凄まじく、風刺画雑誌が「モーヴ麻疹（はしか）」とからかうほど、街中がモーヴ色のドレスやリボンで溢れかえったのです。

印象派のパレットを彩り、光と影を描き出した「新しい紫」

合成染料として誕生したモーヴをはじめとする化学合成の色素は、やがて顔料（絵具）の形をとって「絵画の世界」にも革命をもたらします。

それまでの画家たちにとって、鮮やかで美しい紫色は非常に高価で、時間が経つと変色しやすい厄介な色でした。

しかし、19世紀後半に次々と誕生した新しい化学合成の紫色は、安価で発色が良く、安定していました。

この新しい色の恩恵を最も受けたのが、クロード・モネやルノワールといった「印象派」の画家たちです。

彼らは伝統的な絵画の「影＝黒」という常識を捨て、戸外の豊かな光と影を表現するのに「紫」を多用しました。

印象派があまりにも紫を愛用したため、美術批評家から「ヴァイオロトマニア（紫狂い）」と評されたほどです。

モーヴに端を発する化学の進歩は、芸術家たちの目に映る世界の描き方すらも変えてしまったのです。

モーヴの真の革命、それは「紫」の民主化

モーヴの誕生がもたらした最も偉大な功績。

それは、「紫」という色を特権階級から一般市民へと解放したこと･･･つまり「色の民主化」にあります。

古代から美しい紫の染料（貝紫など）は、何千個もの巻貝をすり潰してわずかしか採れないほど希少でした。

そのためローマ皇帝や教皇、王侯貴族だけが独占できる「権力と富の象徴」だったのです。

一般市民にとって鮮やかな紫を着るなどということは夢のまた夢でした。

しかし18歳の少年の失敗から生まれた合成染料は、石炭の燃えカスから、誰もが手の届く価格で大量の紫を生み出すことを可能にしました。

街を歩く普通の女性たちが、見事な紫のシルクドレスで自分を飾れるようになったのです。

何千年も続いた「紫＝特権階級のもの」という常識を、科学の力が打ち破った瞬間。

モーヴは単なる流行色ではなく、時代を動かし、社会の階層の壁を色で塗り替えた象徴なのです。

一人の青年の諦めない探求心と、色に焦がれた人々の熱狂、そして特権階級からの「色の解放」という壮大なドラマが隠された『モーブ』の物語、いかがでしたか？

この少しグレイッシュで上品な紫色の名前が、身近なゼニアオイという花の名前だったというのが、なんだかチグハグで面白いと思ったフジタです。

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藤田たかえでした

誇りと因縁の「オックスフォードブルー」と「ケンブリッジブルー」

2026/09/08

大学を象徴するスクールカラー

OxfordBlueとCambridgeBlue

イギリスの名門であるオックスフォード大学とケンブリッジ大学の間で毎年開催される、伝統的なスポーツ対抗戦は、競技を問わず総称して「バーシティ・マッチ（Varsity Match）」と呼ばれます。

そして非常に面白いのが、この対抗戦に出場した選手には、大学からスポーツにおける最高の栄誉として「ブルー（Blue）」という称号が与えられることです。

色の名前が、「スポーツのエリートの証」の名前そのものになっているんです。

両校のスポーツ対抗戦に出場したエリート学生ににとって、この色は彼らの誇りそのものなのです。

それぞれのスクールカラーのブルーは、こんな色。

オックスフォードからの逃亡者

英語圏で最も古い大学はオックスフォード大学で、1096年頃にはすでに教育が行われていたとされています。

そんなオックスフォードの町で1209年、大事件が起きます。

1人の学生が、地元の女性を死なせてしまうという事件が発生しました。

（事故とも殺人ともいわれています）

これに激怒した地元住民と、学生・学者たちの間で激しい暴動が起きました。

当時の市長ら地元当局は、見せしめとして学者数名を絞首刑にしてしまいます。

学者らは、教会の管轄下にあり、これは青天の霹靂とも思える事件でした。

この暴力と迫害から逃れるため、一部の学者たちがオックスフォードを捨てて北東へ逃げ出しました。

彼らがたどり着き、新たな学問の拠点を築いた場所こそが「ケンブリッジ」だったのです。

つまり、ケンブリッジ大学は「オックスフォードでの迫害から逃れ、飛び出した人々」によって作られたという、強烈な誕生の経緯を持っています。

600年にわたる「イギリスにおける独占状態」

それから19世紀に入るまでの約600年間、大学といえばオックスフォードとケンブリッジの2つの大学しか存在しなかったのです。

そのため、その後600年にわたって、王室の庇護、優秀な学生、資金、そして国家における政治的な影響力のすべてを、この2校だけで奪い合うことになります。

しかも、「オックスフォードは保守的で政治・哲学の伝統を重んじ、ケンブリッジは進歩的で科学や急進的な思想を好む」と言われ、宗教改革やピューリタン革命の時代にも、両校がそれぞれ異なる立場をとって思想的に対立することがありました。

そして19世紀、舞台はスポーツへ

何百年ものあいだ「どちらが優れているか」を学問や政治の舞台で競い合ってきた両校ですが、19世紀に入ると、そのプライドのぶつかり合いがスポーツという分かりやすい形に発展します。

そのきっかけとなったのが、1829年に始まった第1回のボートレースです。

ケンブリッジ側の学生が、オックスフォードに通う旧友に挑戦状を叩きつけたことから始まりました。

これが「伝統の一戦」として注目される代表的なスポーツとして残っています。

ひとつは、ザ・ボートレース（The Boat Race）

日本の「早慶レガッタ」のモデルにもなった、世界で最も有名なアマチュアスポーツイベントの一つです。

1829年に始まり、約200年の歴史を持ちます。ロンドンのテムズ川（約6.8kmのコース）を舞台に、毎年20万人以上の観客が川沿いに集まり、テレビ中継で数百万人が視聴する国民的なお祭りになっています。

もう一つが、ラグビーの「ザ・バーシティ・マッチ」

アマチュアスポーツでありながら世界中から注目され、過去にはワールドカップに出場するような各国の代表クラスの選手が、この試合に出場するために両大学で学ぶこともありました。

現在は男子競技においてケンブリッジ大学がわずかに勝ち越していますが、実力は非常に拮抗しており、毎年「今年こそは」という両校の執念が凄まじい熱気をもたらしています。

日本のWEBに潜む「もうひとつのケンブリッジブルー」

さて、ここで日本のクリエイターが陥りやすいカラーコードの罠があります。

日本のWEB色見本や辞典で「ケンブリッジブルー」と検索すると、なぜか鮮やかなシアン（#25B7C0）が表示されることが多々あります。

これは、日本の和洋色名辞典やWEBカラーサイトで「ケンブリッジブルー」として広く登録されてしまっている色です。本来のくすんだ緑青色とは大きく異なりますが、日本のデジタル環境や一部の塗料・デザイン業界では、この鮮やかな色がケンブリッジブルーとして流通してしまっているのが現状です。

ケンブリッジの公式カラーは#85b09aという色です。

カラースクールT.A.A

藤田たかえでした

ゴースト・ホワイト〜闇夜の科学と、東西の幽霊

2026/08/24

闇夜の科学と、東西の幽霊

ゴースト・ホワイト(Ghost White)

デジタル世界の闇に生まれた「冷たい白」

「ゴースト・ホワイト」という色名は、古い絵画の顔料や伝統的な草木染めから名付けられたものではありません。

その誕生は1980年代半ば、マサチューセッツ工科大学（MIT）で開発されたコンピュータ画面の描画規格「X Window System」に遡ります。

当時、エンジニアやデザイナーたちは、画面上で使える無数の色に直感的な名前をつけていきました。

その中で、カラーコード #F8F8FF に与えられた名前こそが「Ghost White」でした。

この色の正体は、完璧な純白（#FFFFFF）に、ほんのわずかだけ「青（Blue）」を混ぜ合わせたオフホワイトです。

黒い画面や暗闇の中に浮かび上がったとき、ただの白よりもいっそう「ひんやりとした冷気」や「半透明の霊体」を感じさせる絶妙な青白さ。

開発者たちの研ぎ澄まされた感性によってデジタルの世界に幽霊の名を冠した白が生まれ、現在もWebデザインの標準色としても広く受け継がれています。

なぜ私たちは幽霊を「青白い」と感じるのか？

では、なぜ「幽霊＝青白い」というイメージは、これほどまでに世界共通の感覚として定着しているのでしょうか？

そこには、人間の身体の仕組みと、目の錯覚という科学的な理由が隠されています。

ひとつは、人間の肉体が命を失ったときに起こる生理現象「死後蒼白」です。

心臓が止まり血液の巡りが途絶えると、肌から温かみのある赤みが消え去り、白く透き通ったような青白さへと変化します。

古来、人類にとって「青白い肌」とは、そのまま「死」を告げる直感的なサインでした。

もうひとつは、暗闇における人間の目の仕組み「プルキンエ現象」です。

人間の目は、明るい場所では赤や黄色の光を強く感じますが、夜や薄暗い場所では網膜の細胞が切り替わり、波長の短い「青い光」に対して感度が高くなります。

そのため、夜の闇の中で見る白い布や霧、煙などは、実際よりも青みがかって見えてしまうのです。

さらに、昔の墓地などで骨のリン成分が自然発光する青白い光（人魂や鬼火）の伝承や、19世紀以降の舞台演劇・映画で青い照明を使って霊を演出した表現技法も重なり、幽霊の青白さは私たちの深層心理に深く刻み込まれました。

西洋のゴーストと、日本の幽霊

「白をまとう幽霊」の姿は東西で共通していますが、その成り立ちと質感には興味深い違いがあります。

西洋のゴーストが白い布をかぶっているのは、かつて死者を包んだ「埋葬布（シュラウド）」に由来します。

西洋のゴーストは、古い城や屋敷に現れ、冷気を放ちながら宙を浮遊する「半透明な光」として描かれることが多く、まさにゴースト・ホワイトの持つ澄んだ冷涼感がよく似合います。

一方、日本の「幽霊」が身につけているのは、死者をあの世へ送り出すための「死装束（白い経帷子に三角の天冠）」です。

江戸時代の絵師・円山応挙が描いた幽霊画のように、足がなく、乱れた黒髪を垂らし、暗い水辺や草木の下に現れます。

西洋の幽霊が「空間を満たす冷気と光」だとすれば、日本の幽霊は「湿り気と情念」を帯びた生々しい恐怖として描かれてきました。

身にまとう白のルーツは同じ死者の衣でありながら、文化によって放つ気配が異なるのは面白い対比です。

「月白色」と、人間が夜に宿す青

幽霊の青白さと同じように、夜の光を表現した美しい伝統色が日本にも存在します。

それが「月白色（げっぱく / つきしろ）」です。

月白色とは、夜空に浮かぶ月のように、かすかに青みを含んだ薄い白のこと。

しかし物理学的に言えば、太陽光を反射して輝く月光は、昼の太陽光とほぼ同じか、むしろわずかに黄色や赤みを帯びています。

月そのものが青い光を放っているわけではありません。

それにもかかわらず、古今東西の人々は月光を「青白い光」として感じ、言葉にしてきました。

暗闇の中で青を強く認識する人間の目が、夜空の静寂と澄んだ空気感を「青」として知覚させたのです。

東洋の詩人たちが「月白風清（月は白く輝き、風は清らかである）」と詠んだように、月白色もまた、人間の瞳と心が夜の闇の中に紡ぎ出した幻想の色といえます。

コンピュータのモニター上で生まれた「ゴースト・ホワイト」と、古くから日本で愛されてきた「月白色」。

時代も生まれ故郷もまったく異なる二つの色ですが、その根底には「暗闇の中で光を見つめたとき、人間の瞳が自然と青を感じ取ってしまう」という、普遍的な視覚のメカニズムが流れています。

暗闇を照らす月光や、夜霧の中にふっと現れる淡い気配。

完全な純白にはない、わずかな青みがもたらす静寂と神秘に目を凝らしてみると、夜の世界がいつもより少しだけ奥深く、ドラマチックに感じられるかもしれません。

【コラム】幽霊は作れる？

〜160年前の舞台トリック「ペッパーズ・ゴースト」の魔法〜

何もない空間にふわりと浮かび上がる、半透明で青白い幽霊。

映画のCGや最新のホログラム技術のように思えますが、実は160年以上前の19世紀ロンドンで、ガラスと光の力によって「人工の幽霊」がすでに生み出されていました。

その名は「ペッパーズ・ゴースト（Pepper's Ghost）」。1862年に実用化された伝説的な光学トリックです。

仕組みは驚くほどシンプルかつ天才的です。

客席と舞台の間に、観客からは見えないよう透明な巨大ガラスを「45度の角度」で設置します。そして、客席の死角（舞台下など）に幽霊役の役者を配置し、強い光を当てます。すると、光を浴びた姿がガラスに反射し、あたかもメインステージ上に「向こう側が透けて見える霊体」がいるかのように浮かび上がるのです。ライトを消せば、幽霊は一瞬で煙のように消え去ります･･･。

CGもプロジェクターもない時代、生身の役者と透き通る幽霊が舞台上でリアルタイムに対話する光景に、当時の劇場は大パニックと大熱狂に包まれました。

そしてこの画期的なイリュージョンは、現代のエンターテインメントや最先端テクノロジーの現場でも、姿を変えて大活躍しています。

◆ホーンテッドマンション･･･ディズニーランドの舞踏会ホールで、透けながら楽しそうにワルツを踊る無数の亡霊たちは、巨大ガラスを使ったペッパーズ・ゴーストそのものです。

◆ バーチャルライブ･･･初音ミクなどのバーチャルシンガーがステージに実体として現れ、生演奏と共演するライブ演出も、特殊スクリーンを使ったこの技術の直系といえます。

◆ ヘッドアップディスプレイ（HUD）･･･車のフロントガラスに速度やナビ情報を浮かび上がらせる装置や、演説者が使う透明なプロンプターも、全く同じ光学原理を利用しています。

私たちが「最新のホログラムだ！」と驚く体験の多くは、実は19世紀の人々が「本物の幽霊を作りたい」と知恵を絞って生み出した、色褪せない物理の魔法なのです。

ゴースト・ホワイト〜闇夜の科学と、東西の幽霊

2026/08/24

闇夜の科学と、東西の幽霊

ゴースト・ホワイト(Ghost White)

デジタル世界の闇に生まれた「冷たい白」

「ゴースト・ホワイト」という色名は、古い絵画の顔料や伝統的な草木染めから名付けられたものではありません。

その誕生は1980年代半ば、マサチューセッツ工科大学（MIT）で開発されたコンピュータ画面の描画規格「X Window System」に遡ります。

当時、エンジニアやデザイナーたちは、画面上で使える無数の色に直感的な名前をつけていきました。

その中で、カラーコード #F8F8FF に与えられた名前こそが「Ghost White」でした。

この色の正体は、完璧な純白（#FFFFFF）に、ほんのわずかだけ「青（Blue）」を混ぜ合わせたオフホワイトです。

黒い画面や暗闇の中に浮かび上がったとき、ただの白よりもいっそう「ひんやりとした冷気」や「半透明の霊体」を感じさせる絶妙な青白さ。

なぜ私たちは幽霊を「青白い」と感じるのか？

では、なぜ「幽霊＝青白い」というイメージは、これほどまでに世界共通の感覚として定着しているのでしょうか？

そこには、人間の身体の仕組みと、目の錯覚という科学的な理由が隠されています。

ひとつは、人間の肉体が命を失ったときに起こる生理現象「死後蒼白」です。

心臓が止まり血液の巡りが途絶えると、肌から温かみのある赤みが消え去り、白く透き通ったような青白さへと変化します。

古来、人類にとって「青白い肌」とは、そのまま「死」を告げる直感的なサインでした。

もうひとつは、暗闇における人間の目の仕組み「プルキンエ現象」です。

そのため、夜の闇の中で見る白い布や霧、煙などは、実際よりも青みがかって見えてしまうのです。

西洋のゴーストと、日本の幽霊

「白をまとう幽霊」の姿は東西で共通していますが、その成り立ちと質感には興味深い違いがあります。

西洋のゴーストが白い布をかぶっているのは、かつて死者を包んだ「埋葬布（シュラウド）」に由来します。

一方、日本の「幽霊」が身につけているのは、死者をあの世へ送り出すための「死装束（白い経帷子に三角の天冠）」です。

江戸時代の絵師・円山応挙が描いた幽霊画のように、足がなく、乱れた黒髪を垂らし、暗い水辺や草木の下に現れます。

西洋の幽霊が「空間を満たす冷気と光」だとすれば、日本の幽霊は「湿り気と情念」を帯びた生々しい恐怖として描かれてきました。

身にまとう白のルーツは同じ死者の衣でありながら、文化によって放つ気配が異なるのは面白い対比です。

「月白色」と、人間が夜に宿す青

幽霊の青白さと同じように、夜の光を表現した美しい伝統色が日本にも存在します。

それが「月白色（げっぱく / つきしろ）」です。

月白色とは、夜空に浮かぶ月のように、かすかに青みを含んだ薄い白のこと。

しかし物理学的に言えば、太陽光を反射して輝く月光は、昼の太陽光とほぼ同じか、むしろわずかに黄色や赤みを帯びています。

月そのものが青い光を放っているわけではありません。

それにもかかわらず、古今東西の人々は月光を「青白い光」として感じ、言葉にしてきました。

暗闇の中で青を強く認識する人間の目が、夜空の静寂と澄んだ空気感を「青」として知覚させたのです。

コンピュータのモニター上で生まれた「ゴースト・ホワイト」と、古くから日本で愛されてきた「月白色」。

暗闇を照らす月光や、夜霧の中にふっと現れる淡い気配。

【コラム】幽霊は作れる？

〜160年前の舞台トリック「ペッパーズ・ゴースト」の魔法〜

何もない空間にふわりと浮かび上がる、半透明で青白い幽霊。

その名は「ペッパーズ・ゴースト（Pepper's Ghost）」。1862年に実用化された伝説的な光学トリックです。

仕組みは驚くほどシンプルかつ天才的です。

そしてこの画期的なイリュージョンは、現代のエンターテインメントや最先端テクノロジーの現場でも、姿を変えて大活躍しています。

マルベリー〜古代神話の悲恋と、絹の道が紡いだ深遠なる赤紫〜

2026/08/20

古代神話の悲恋と、絹の道が紡いだ深遠なる赤紫

マルベリー

古代神話の悲恋

マルベリーという色を語る上で欠かせないのが、古代ローマの詩人オウィディウスが著した『変身物語』に登場する悲恋劇「ピュラモスとティスベ」の神話です。

シェイクスピアの『ロミオとジュリエット』の原典としても知られるこの物語の舞台には、一本の桑の木が立っていました。

神話によると、当時の桑の実は「雪のように純白」だったとされています。

壁越しに愛を育んだピュラモスとティスベは、悲劇的な行き違いから、恋人が死んだと思い込み、お互い命を絶ってしまうのです。

二人が流した熱い血は桑の木の根へと染み込み、その実を深く暗い赤紫色へと染め変えました。

神々は恋人たちの永遠の愛を称え、桑の実を二度と白には戻さず、哀悼を捧げるような深紅・紫のままにしたといいます。

マルベリーという色には、太古から「情熱と愛のドラマ」が宿っているのです。

「パープル」や「バイオレット」との決定的な違い

西洋において紫系の色は数多く存在しますが、マルベリーは他の紫とは明確に異なる独自の立ち位置を持っています。

古代から中世にかけての「パープル（Purple）」は、巻貝から採れる希少な染料（帝王紫）に由来し、皇帝や高位聖職者だけが着用を許された「権威・高貴・隔絶」の象徴でした。

また、「バイオレット（Violet）」はスミレの花のように青みが強く、冷涼で精神性や神秘主義を感じさせる色合いです。

これらに対し、「マルベリー」は赤みが強く、果汁がじわりと滲み出たような生命力と温もりを持っています。

権力者を誇示する冷たい紫ではなく、大地に根ざした豊かな実りを感じさせる色。

高貴でありながら人を寄せ付けない威圧感がなく、落ち着いた親しみやすさとエレガンスを併せ持つのが、マルベリーという色の大きな魅力です。

シルクロードと養蚕が広げた「桑の木」の歴史

マルベリーが人々の暮らしや色彩文化に深く浸透した背景には、「養蚕（シルク）」の歴史が深く関わっています。

絹を生み出す蚕（カイコ）の唯一の主食が、桑の葉です。

古代中国から始まったシルクの生産技術は、シルクロードを経て地中海世界、そしてヨーロッパ全土へと伝わりました。

中世から近世にかけて、イタリアやフランスのリヨン、イギリスなどで絹織物産業が栄えるにつれ、ヨーロッパ各地の庭園や農園に膨大な数の桑の木が植えられていったのです。

木々が身近になるにつれ、初夏にたわわに実る桑の実の美しさは人々の目を捉えました。

18世紀後半には、ファッションやインテリアの分野で「マルベリー」という色名が使われ始め、ベルベットやシルクのドレスを染めるシックで洗練された高級色として定着していきました。

食卓を彩るマルベリー〜繊細な果実と伝統の味〜

色彩としての魅力だけでなく、マルベリーはヨーロッパの伝統的な食卓でも独自の存在感を放っています。

桑の実は皮が非常に薄く傷みやすいため、市場へ長距離輸送することが難しく、「庭で収穫してその日のうちに味わう」贅沢な初夏の味覚でした。

イギリスや北欧では、摘みたてのマルベリーをたっぷり使ったパイやクランブル、果汁を煮詰めた深紫色のジャムやシロップが伝統的に作られてきました。

焼き菓子の生地や白いクリームに、マルベリーの濃厚な赤紫の果汁がとろりと滲むコントラストは、古くから人々の食欲をそそる美しい情景です。

また、ジンやブランデーに桑の実と砂糖を漬け込んだ「マルベリー・ジン」は、ルビーのように輝く深紅の美酒として、家庭で親しまれてきた歴史があります。

『ロミオとジュリエット』に引き継がれた悲恋物語

1. 壁越しの恋と、夜の密会

古代バビロンの隣り合う家に生まれた美青年ピュラモスと美少女ティスベは、幼い頃から惹かれ合っていましたが、両家の強い反対によって結婚を禁じられていました。

二人は屋敷を隔てる壁の「わずかなひび割れ」を通して囁き合い、愛を育みます。

ついに耐えかねた二人は、夜に街を抜け出し、郊外のニノス王の墓のそばに立つ「白い実をつける大きな桑の木」の下で落ち合う約束を交わしました。

2. 最初の不運：血に濡れたライオン

夜の闇の中、先に約束の桑の木へ到着したのはティスベでした。

しかし、ピュラモスを待つ彼女の前に、獲物を仕留めたばかりで口元を血で真っ赤に染めた雌ライオンが、泉の水を飲みに現れます。

恐怖に震えたティスベは、近くの暗い洞窟へと必死に逃げ込みました。

その際、慌てて頭の薄布（ベール）を地面に落としてしまいます。

水を飲み終えたライオンは立ち去る際、地面に落ちていたベールを見つけ、血だらけの口でそれを弄び、ズタズタに引き裂いて去っていきました。

3. 致命的な行き違いと早合点

遅れて約束の場所にやってきたピュラモスは、地面に残された猛獣の足跡と、「血に染まり、引き裂かれたティスベのベール」を発見します。

「愛する彼女が猛獣に食い殺されてしまった。自分が約束の時間に遅れたせいで、彼女を死なせてしまった」

激しい絶望と自責の念に苛まれたピュラモスは、持っていた剣を抜き、自らの胸を突き刺して倒れました。

彼から噴き出した熱い血が、桑の木の根に染み渡り、頭上にあった白い実を赤黒く染め上げます。

4. 重なる悲劇と神々の憐れみ

ライオンが去ったのを見計らい、恐る恐る洞窟から出てきたティスベは、桑の木の下へ戻ってきます。

しかし、そこにあったのは変わり果てたピュラモスの姿でした。

ピュラモスは薄れゆく意識の中で彼女の姿を一目見て息絶え、ティスベは落ちていた血塗れのベールと剣を見て、彼が自分を死んだと誤解して命を絶ったことを悟ります。

「あなたの死の原因が私なら、死出の旅の道連れになるのも私です」

ティスベは彼の剣を取り、自らの胸を貫いて後を追ったのでした。

神々は二人の強い愛と悲運を憐れみ、桑の実を二度と白には戻さず、二人が流した血の色である「深い赤紫（マルベリー）」のまま実を結ぶように定めたと伝えられています。

キャロット・オレンジ〜オランダ独立の英雄と、愛国心の物語〜

2026/08/13

オランダ独立の英雄と、愛国心の物語

キャロット・オレンジ

私たちは、ニンジンといえばオレンジ色を思い浮かべますね。

けれど、古代から中世にかけて、ヨーロッパの人々が食べていたニンジンはオレンジ色ではなかったんです。

当時の主流は、紫、黄色、そして白色のニンジンだったのです。

現在の私たちが知る鮮やかなオレンジ色のニンジンは、自然界に最初から存在していたわけではないんですね。

オレンジ色のニンジンが世界に定着したのは、16世紀から17世紀にかけてのオランダでの出来事がきっかけでした。

当時のオランダの農家たちが、黄色や紫色の品種を掛け合わせるなどの品種改良を重ねた結果、甘くて栄養価が高く、何より色鮮やかな「オレンジ色のニンジン」を生み出すことに成功したのです。

では、なぜ彼らは数ある色の中から、あえて「オレンジ色」のニンジンを作り出そうとしたのでしょうか？そこには、オランダという国の根幹に関わる熱い思いが込められていました。

建国の父「オラニエ家」への愛国心が生んだ奇跡

16世紀後半、オランダは当時の大国スペインの支配下にあり、長く苦しい独立戦争（八十年戦争）を戦っていました。

その独立闘争を力強く指導したのが、「建国の父」として今もオランダで敬愛される英雄、オラニエ公ウィレム1世です。

彼の家名である「オラニエ＝ナッソー家（House of Orange-Nassau）」の「オラニエ（Oranje）」は、もともとフランス南部にある領地「オランジュ（Orange）」に由来する名前です。

この言葉の響きから、16世紀以降「オレンジ色」はオラニエ家の象徴となり、やがてオランダという国そのもののナショナルカラーとして定着していきました。

オランダの農家たちがオレンジ色のニンジンを開発し、盛んに栽培したのは、まさにこのオラニエ公に対する深い敬意と、「我々は独立国家である」という愛国心を示すためだったと言われています。

つまり、私たちが今日食べているニンジンの色は、オランダの人々の「愛国心の結晶」なのです。

サッカーオランダ代表とニンジンの意外な共通点

この歴史を知ると、あるスポーツの風景が腑に落ちるのではないでしょうか。

それは、サッカーのオランダ代表チームです。

オランダの現在の国旗は「赤・白・青」の三色旗ですが、サッカーをはじめとするスポーツのナショナルチームは、伝統的に鮮やかなオレンジ色のユニフォームを身にまといます。

チームの愛称自体も、オランダ語でオレンジを意味する「オランイェ（Oranje）」と呼ばれ、熱狂的なサポーターたちも全身をオレンジ色に染めてスタジアムを埋め尽くします。

「ニンジンの影響でユニフォームがオレンジになった」のではなく、「オランダの象徴である王家への愛国心から、ユニフォームも、そして日々の食卓に上るニンジンも、どちらもオレンジ色に染め上げられた」というのが正しい歴史です。

ユニフォームとニンジンが、全く同じ「建国の歴史」という根源を持っているのは、非常に面白いと思いませんか？

名画に隠された暗号〜オランダ黄金時代の絵画〜

農家たちの手によって誕生したキャロット・オレンジは、当時の芸術の世界にも大きな影響を与えました。

17世紀、オランダは経済的にも文化的にも絶頂期を迎え、「オランダ黄金時代」と呼ばれる美術の最盛期が訪れます。

この時代の静物画や風俗画には、新しく生み出されたオレンジ色のニンジンが頻繁に登場します。

例えば、ガブリエル・メッツーなどの画家が描いた市場の風景や厨房の絵画では、画面の手前や目立つ場所に、誇らしげにオレンジ色のニンジンが配置されています。

これは単なる「食材の描写」ではありません。

当時、オレンジ色のニンジンは最新の園芸技術の成果であり、一種の高級食材でした。

それを絵画に描き込むことは、「オランダの高い農業技術の誇示」であり、同時に「オラニエ家を支持する（オランダ愛国派である）」という政治的な暗喩、つまり静かなメッセージとしての役割を果たしていたのです。

絵の中のキャロット・オレンジは、当時の人々にしか分からない「誇りのサイン」でした。

画材の進化とゴッホの愛した「オレンジ」

絵画を描く「絵の具」としてもこのキャロット・オレンジには、特筆すべき歴史があります。

古典絵画の時代、このような鮮やかなオレンジ色を表現するのは非常に困難でした。

主に使われていたのは「リアルガー（雄黄）」や「鉛丹」といった顔料ですが、これらはヒ素や鉛を含む非常に有毒な鉱物であり、扱いが難しく退色しやすいという欠点がありました。

しかし、19世紀になり近代化学が発展すると、クロムオレンジやカドミウムオレンジといった、安全で発色の良い合成顔料が次々と誕生します。

この画材の革命に歓喜したのが、フィンセント・ファン・ゴッホやポール・シニャックといった画家たちです。（ゴッホもまた、オランダ出身の画家ですね）

彼らは、新しく手に入れた鮮烈なオレンジ色を、補色である「青色」の隣に大胆に配置しました。

青とオレンジが互いを引き立て合う「補色対比」の魔法により、キャンバスの上にそれまで見たこともないような強烈な光と感情を表現したのです。

「キャロット・オレンジ」は、どこか可愛らしさを感じさせる色名･･･

そこには、オランダ独立の英雄の物語があり、農家たちの愛国心があり、17世紀の画家たちがキャンバスに忍ばせたメッセージがあり、そして近代画材の進化の歴史･･･といった多くのメッセージが詰まっているんですね。

カラースクールT.A.A

藤田たかえでした

T.A.Aのカラフルブログ

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